今年初春,“学院与沙龙——法国国家造型艺术中心巴黎国立高等美术学院珍藏展”在国家博物馆开展。103件包括油画、雕塑、青铜雕塑在内的艺术精品远渡重洋,为中国观众带来了一场新年的视觉盛宴。此次展出的作品由法国国家造型艺术中心和巴黎国立高等美术学院收藏,参展艺术家之名在历史上如雷贯耳——其中包括欧仁·德拉克洛瓦、威廉·阿道夫·布格罗、卡米耶·柯罗、多米尼克·安格尔、亚历山大·卡巴内尔等。作为法国美术学院体制培养出的杰出人才,他们在西方艺术史上书写了辉煌的篇章。

　　提起法国绘画,有许多人对印象派如数家珍,对学院派却比较陌生。我们通常认为,现代绘画的鼻祖是印象派,当代批评家约翰·伯格就曾将印象派称为“欧洲艺术由此步入20世纪的一座凯旋门”。如果这样说的话,法国学院派艺术一定是这座凯旋门坚实的基座。那么,学院派从何而来,有着怎样的历史,又是如何被人铭记的呢?

　　美术学院的历史

　　美术学院这一体系最早源自16世纪的意大利。作为一种新型的艺术家团体,它与延续自中世纪的艺术家行会体制形成了对抗。它要求解除艺术家对行会的传统义务,赋予艺术家更多自由。也正是出于此,1648年,以夏尔·勒布伦为首的12位法国宫廷画家,在路易十四的支持下创办了皇家绘画与雕塑学院。勒布伦作为第一任院长,为学院确立了一整套严格的准则。在创作题材上,学院规定:历史类题材地位最高,其中包括古希腊神话和《圣经》故事;人物肖像次之;风景和静物排在末位。在表现手法上,学院教学追求严谨的构图、完美的人物造型、准确的空间透视和细腻的笔法。这一系列规则影响深远,在很长一段时间内塑造了法国学院派的基本面貌。

　　轰轰烈烈的法国大革命将国王送上断头台,也让皇家绘画与雕塑学院走向瓦解。然而视艺术为生命的法国人很快便搭建了新的平台。1795年,法兰西研究院成立,专设美术部门,取名“美术学会”。这个部门既承担起皇家绘画与雕塑学院的社会职责,同时也具有遴选教师的权利。艺术教学的职能则被划分给一所专门学校——这便是我们后来熟知的巴黎美术学院。

　　英国学者佩夫斯纳在《美术学院的历史》中写道,巴黎美术学院虽然是一所全新的机构,但是其教学方法并未受到大革命的影响。杰出艺术家工作室的私人教学制度也几乎原封不动地保留下来。这一体制承袭自18世纪罗马的学院工作室制度,与美术学院规模化的教育相辅相成。在新古典主义大师雅克-路易·大卫的工作室中,学生一天要画六个小时,人体写生是重点。波旁王朝复辟之后,大卫逃离巴黎,安东尼·让·格罗接管其工作室,一时门庭若市。佩夫斯纳对两位艺术家充满敬佩之情,他认为,大卫和格罗的教学之所以获得成功,一是因为两位指导者的个性令人信服,二是由于学生们能够接受固定的指导。大卫和格罗之后,德拉克洛瓦、德拉罗什、安格尔和夸涅埃等人的工作室相继出现。

　　美术学院并非人们想象的那样刻板或者一成不变。1863年,法国政府在学院内部为绘画、雕刻和建筑教授分别提供三间工作室,为雕刻铜版画和金属镂刻工艺各提供一间工作室。这些工作室向优等生开放,使得他们不必总是前往其私人教师的工作室。1897年,学院正式接收女性学生。优雅的法国淑女们走出闺房,放下针线,拿起画笔。众多女性围坐在一起作画的场面,成为画室中一道亮丽的风景线。在美术学院,通过研究古代艺术作品、学习解剖学和练习写生。技法精湛的一代代艺术家从学院中成长起来。

　　学院派与竞争机制

　　美术学院自建立之初,就有意培养学生的竞争意识,引导他们追求艺术上的至高境界。年复一年,学生们不断被推上各种高水平的竞技舞台,竞争意识也伴随其整个艺术生涯。在众多竞赛中,最具代表性的当属“罗马奖”和沙龙展。

　　罗马奖由法国国王路易十四设立于1663年,最初是为了奖励皇家绘画与雕塑学院的优秀绘画和雕塑作品。获奖者在政府资助下,可前往罗马学习三至五年。美术学院延续了这一奖励机制。在18世纪晚期和19世纪,罗马奖迎来它的鼎盛时期。艺术家以获得此奖为最高荣誉,甚至私人画室的课程都是围绕着罗马奖而开设的。声名显赫的大卫,连续三年竞争罗马奖而不得,一度竟欲轻生,好在他没有放弃绘画事业,终成大家。相比之下,那些获奖的人们,可以说是无比幸运的佼佼者了。

　　1801年,大卫的学生,年轻的安格尔以他的油画《阿喀琉斯接见阿伽门农使者》获罗马奖。这幅作品以诗人荷马史诗中的神话故事为创作蓝本:阿伽门农派遣使者拜访阿喀琉斯,请求他复出参加特洛伊战争。这幅作品主要展现了阿喀琉斯见到使者之后,停下弹奏手中的竖琴,起身站立的一刹那。画面中,井然有序的人物安排、富有层次的光线变化、生动形象的人体肌肉细节,令人过目难忘。作品柔和的色彩,似乎预示安格尔在后来的艺术事业中会有更多令人惊艳的表现。